Новини

13.03.2019

Оборот мистецтва в світі досяг $ 67,4 млрд, головні гроші приносять найвідоміші художники і найдорожчі роботи, жінкам дістається лише третина ринку, і «мілленіали» почали купувати – ярмарок Art Basel представила новий звіт.

 Mel Bochner. “Blah blah blah” and “Haha.” 2014. Art Basel Miami. Photo: Art Basel

Головні стратегічні висновки з річного звіту арт-ринку, підготовленого Art Basel за підтримки банку UBS: вже другий рік світовий ринок знову зростає, і в основному силами молоді з Азії. В цілому ж все як завжди: багаті багатіють, бідні біднішають, мистецтво вічне.

Дослідження світового арт-ринку, яке щорічно публікує компанія Arts Economics і її глава доктор Клер Макендрю, – основне джерело даних для всіх арт-аналітиків. Раніше дослідження замовляла ярмарок TEFAF, але тепер його спонсорує Art Basel. Проте в нинішньому році, після фальстарту в позаминулому, TEFAF планує власне дослідження, результатами якого ми поділимося після його подання 15 березня.

Згідно з даними звіту Arts Economics, продажу на світовому арт-ринку в 2018 році досягли $ 67,4 млрд, що на 6% більше у порівнянні з попереднім роком. Це другий рік росту – після двох років спаду (в 2016-м і 2017-го). Найбільшим ринком залишається США ($ 29,9 млрд і 44% від глобального обороту), Великобританія є другим за величиною ринком ($ 14 млрд, 21%), Китай – третім ($ 12,9 млрд, 19%).

Світові продажі мистецтва ділять між собою арт-дилери та аукціони. В останні роки дилери часто дорікали аукціонним будинкам (особливо найбільшім) в тому, що їх видавлюють з арт-ринку. Хоча прогнозувати будь-кого пріоритет в цій області – це все одно що питати, хто сильніший: слон чи кит? У 2018 році продажі дилерів, за оцінками Arts Economics, склали $ 35,9 млрд (на 7% більше, ніж в попередньому році). Продажі на публічних торгах дали $ 29,1 млрд, збільшившись на 3%.

Найбільш швидкі темпи зростання показали великі галеристи – з оборотом від $ 10 млн до $ 50 млн; найслабші показники були у невеликих дилерів з оборотом нижче $ 250 тис. на рік. Банальна істина – гроші до грошей – виправдала себе і тут. В галереях, які працюють на первинному ринку (тобто безпосередньо з художниками, а не перепродуючи їх роботи повторно), в середньому 63% загальних продажів доводилося на трьох найбільш затребуваних художників, а 42% – взагалі на одного провідного художника.

 Victoria Miro Gallery booth at Art Basel 2018: works by Yayoi Kusama, Adriana Varejao and Sarah Ze. Photo: Yayoi Kusama, courtesy Ota Fine Arts, Tokyo / Singapore / Shanghai and Victoria Miro, London / Venice

На аукціонах більше половини обороту (61%) дало крихітне кількість (1%) найдорожчих лотів, проданих дорожче $ 1 млн. Найбільш вагомим розділом на торгах в 2018 році стало повоєнний і сучасне мистецтво: воно принесло аукціонним будинкам приблизно половину їх обороту.

З гендерних рівноправністю на арт-ринку справи йдуть не так уже й погано. Третина художників (36%), яких галереї представляли в 2018 році на первинному ринку, були жінками, і продажу їх робіт принесли третину доходу (32%). Правда, виявилося, що, чим вище вартість робіт, тим менше серед їх авторів жінок. У «стайні» галерей з оборотом до $ 1 млн в середньому 38% художниць, а ті галеристи, оборот яких перевищує $ 10 млн, допустили до списків своїх авторів тільки 28% жінок.

 The dynamics of the turnover of the art market over the past ten years in terms of value (value) and the number of transactions (volume). Art Basel Report. Photo: Arts Economics (2019)

Основним каналом продажів для арт-дилерів і раніше залишаються ярмарки, причому значення їх зростає (до 46% свого обороту галеристи зробили, беручи участь в міжнародних ярмарках). В середньому кожен дилер брав участь в чотирьох ярмарках в рік.

І нарешті, відкриття року. Всі попередні опитування показували, що більшість покупців мистецтва – люди немолоді. Наприклад, серед американських колекціонерів (а ми пам’ятаємо, що США – головний в світі ринок мистецтва) більшість була в віці 50 років і старше. Однак тепер, коли був досліджений арт-ринок в Азії, з’ясувалося, що від третини до половини покупців там – «мілленіали», тобто люди, що народилися між 1981 і 2000 роками. Азіатські «мілленіали» виявилися надзвичайно активними і за кількістю покупок, і по їх вартості – половина людей, які витратили на мистецтво більш $ 1 млн за останні два роки, були 30-річними. Але ж зовсім недавно продавці мистецтва журилися: як продавати його тим, хто женеться не за володінням, а за враженнями і готовий, влившись в економіку спільного споживання, користуватися квартирою і машиною навпіл з сусідом? Залишилося дочекатися, коли за прикладом молодих людей з Сінгапуру і Гонконгу підуть «мілленіали» всього світу.

11.03.2019

Вперше в Україні буде представлений, який раніше не експонувався автопортрет художника Казимира Малевича, який він намалював за 11 місяців до своєї смерті.

“Я зараз виглядаю як Маркс в могилі. Коли я виходжу на вулицю, діти кричать Карл Маркс”, – підписав Малевич автопортрет в листі до поета Григорія Петникова. Відомо, що портрет був написаний в 1934 році, в 8:00 ранку.

Автопортрет Малевича – перша робота, яка була знайдена під час незалежності України.

Всього у художника є вісім автопортретів, а знайдений автопортрет – останній в його житті. Вперше він був опублікований в журналі Color and rhythms.

Після презентації автопортрет Малевича буде виставлений в рамках виставки Авангард. У пошуках четвертого виміру в Центрі сучасного мистецтва М17.

Побачити його можна буде до 6 квітня.

06.03.2019

На виставці в Королівській академії мистецтв зібрані шедеври Леонардо, Тиціана, Кранаха, Мікеланджело, Рафаеля, Дюрера і багатьох інших.

Agnolo Bronzino. “Saint Sebastian”. Around 1533. Photo: Museo Nacional Thyssen-Bornemisz

Зображення оголеного тіла пережило свій найвищий злет в XV-XVI століттях з відродженням інтересу художників по різні боки Альп до мистецтва Давньої Греції та Давнього Риму. Зібрані на виставці твори Бронзіно, Леонардо да Вінчі, Яна Госсарта, Альбрехта Дюрера, Лукаса Кранаха Старшого, Мікеланджело, П’єтро Перуджино, Антоніо дель Поллайоло, Рафаеля, Тиціана демонструють, з якою пристрастю і натхненням художники зображували оголене тіло і в картинах на релігійні теми, від Адама і Єви до життя Христа, і в дуже популярних тоді картинах на міфологічні сюжети, несучи в них куди більше динаміки і особистих уявлень про прекрасне, ніж це вдавалося їх попередникам. Тут «Геркулес і Деянира» (+1517) Госсарта і «Венера Анадиомена» (близько 1520) Тиціана, «Святий Себастьян» (1533) Бронзино і «Фавн зі своїм сімейством» (1526) Кранаха, підготовчий малюнок сангиной «Три грації» (1518 ) Рафаеля і анатомічні штудії Леонардо і Мікеланджело. Саму експозицію куратори збудували на контрастах: ідеалізованого за античними канонами тіла і старіючої плоті, монументальних полотен для публічних просторів і камерних, невеликого формату картин і мініатюр, дрібної бронзової пластики і малюнків.

Королівська академія мистецтв
Оголене тіло в епоху Відродження
3 березня – 2 червня
www.royalacademy.org.uk

04.03.2019

Картину, яка тепер вважають другою версією «Юдіф, яка вбиває Олоферна» Караваджо, в червні виставлять на торги з естімейтом £ 86-129 млн

У 2014 році на горищі будинку на півдні Франції випадково знайшли полотно, яке приписують Караваджо. З моменту виявлення, його доля привертає пильну увагу як світових експертів, частина яких не згодна з атрибуцією, так і широкої публіки. Зараз картина експонується в лондонській галереї Colnaghi, а в червні її збираються виставити на торги в Тулузькому La Halle aux Grains. Ми згадуємо її шлях від безвісності на курному горищі до топів новин.

Квітень 2014 року: 23 апреля аукціоніста Марка Лабарба запрошують в Тулузький будинок для оцінки великого полотна. За наявною інформацією, в якийсь момент в будинок проникли злодії, які винесли ряд цінних речей, але не стали брати картину, вважаючи, що вона нічого не коштує. На полотні зображена сцена з історії Юдифи, молодої вдови з Ветилуї, яка врятувала рідне місто від облоги ассірійців, зачарувавши і обезголовивши полководця Олоферна.

Уряд Франції накладає 30-місячну заборону на вивезення твору за межі країни, поки експерти розглядають питання про його достовірність.

Квітень 2016 року: 12 квітня, після двох років досліджень і в тому числі тритижневого вивчення в лабораторіях Лувра, знахідку показують пресі, а міністр культури Франції оголошує її національним надбанням.

Спеціаліст по старим майстрам Ерік Тюркен розповідає, що «експерти, мистецтвознавці, реставратори-консерватори і рентгенологи вивчали картину в обстановці найсуворішої таємності». Він додає, що хоча «консенсусу [щодо справжності] немає, я і не прагну до консенсусу. Наприклад, атрибуцію дублінського полотна [мається на увазі картина «Поцілунок Іуди», атрибутована Караваджо в 1991 році] в 2003 році ще продовжували критикувати. Караваджо прямо-таки створений для нескінченних суперечок ».

Картина вважається версією «Юдіф, яка вбиває Олоферна» пензля Караваджо. Фото: Wikipedia Commons

Інший фахівець з Караваджо, Мина Грегорі, повідомляє The New York Times, що вважає картину копією кисті фламандського художника Луї Фінсона. У відповідь на питання, поставила ця знахідка фахівців з творчості Караваджо перед новою дилемою, Річард Спір, експерт по італійському бароко з Прінстонського університету, говорить: «Це не дилема і навіть не зовсім несподіванка, оскільки думки щодо атрибуції розділилися». Тюркен тим часом наполягає: «Я більш ніж упевнений, що картина – втрачене полотно Караваджо, яке [фламандський художник] Франс Пурбус бачив в 1607 році».

Листопад 2016 року: Картину вперше виставляють в музеї – в міланській Пінакотеці Брера – пліч-о-пліч з шедевром Караваджо «Вечеря в Еммаус» (1605-1606). Директор пінакотеки Джеймс Бредберн каже, що виставка «Караваджо. Питання атрибуції »дає широкій публіці унікальну можливість порівняти обидві картини.

Рішення експонувати спірне полотно викликає полеміку, і мистецтвознавець Джованні Агосто виходить з консультативної ради пінакотеки в знак протесту проти «некритичного» уявлення картини, яка «не тільки є приватною власністю, а й виставлена ​​на продаж».

Січень 2019 року: заборону на експорт знімають після відмови Лувру придбати цей твір. Після того як картина отримує дозвіл на вільне переміщення, Тюркен говорить Le Figaro: «Це дозволило нам негайно почати реставрацію. Але рішення про продаж буде прийнято не раніше, чим завершаться всі роботи. Все буде залежати від власників і від аукціоніста в Тулузі, який представляє їх інтереси ».

Лютий 2019 року: твір привозять в Лондон в галерею Colnaghi на виставку, яка триватиме до 9 березня, після чого воно повернеться в Тулузу, де влітку буде виставлено на торги. Тюркен каже, що «це буде аукціон без резерву. Це будуть справжні торги без гарантій, без всієї цієї нісенітниці, справжнісінький аукціон », і висловлює припущення, що покупцем, найімовірніше, стане музей.

25.02.2019

 Mark of Rothko’s Painting “Untitled”, 1960

Музей сучасного мистецтва Сан-Франциско продасть зі своєї колекції картину Марка Ротко «Без назви» (1960) для поповнення фонду новими роботами молодих авторів. Картина буде продана на травневому аукціоні Sotheby’s в Нью-Йорку. Її попередня оцінка складає $ 35-50 млн.

Відповідно до правил Асоціації директорів художніх музеїв, виручка від продажу картини може бути використана тільки для придбання інших робіт в колекцію музею. За словами директора музею Ніла Бенезра, продаж картини здійснюється «з метою широкої диверсифікації колекції SFMOMA, розширення її сучасних фондів і усунення прогалин в історії мистецтва, для продовження розширення меж і впровадження нових ідей».

Експерти аукціонного будинку, на якому буде виставлений лот, описали полотно як «найважливішу роботу, створену на піку творчого злету Ротко». Музей сучасного мистецтва отримав цей твір ще в 1962 році, коли його керівники були сильно зацікавлені в творчості художника. З тих пір воно займало вагоме місце в експозиції абстрактного експресіонізму.

Source: https://artslooker.com/odin-iz-amerikanskikh-muzeiv-zmushenii-prodati-zi-svoyeyi-kolekcii-kartinu-marka-rotko/

 

22.02.2019

Вперше за 60 років шедеври французьких імпресіоністів і постімпресіоністів, серед яких роботи Мане, Ван Гога і Сезанна, повернулися з Великобританії до Франції

 Vincent van Gogh. “Self-portrait with a bandaged ear.” 1889. Photo: Courtauld Institute of Art, London

Фонд Louis Vuitton представляє серію виставок, на яких демонструються створені у Франції шедеври імпресіоністів і постімпресіоністів, які багато десятиліть тому осіли в зарубіжних колекціях. На виставці «Колекція Курто. Погляд на імпресіонізм »показують близько 100 картин і графічних творів із зібрання британського текстильного промисловця Семюеля Курто (1876-1947). Серед них – «Бар в” Фолі-Бержер “» Едуарда Мане, «Гравці в карти» Поля Сезанна і «Автопортрет з перев’язаним вухом» Вінсента ван Гога.

Курто, нащадок французьких гугенотів, які влаштувалися в Лондоні в XVII столітті, випередив свій час, почавши колекціонувати роботи таких художників, як ван Гог, Гоген, Мане, Ренуар і Сезанн. Уже в 1920-ті роки Курто, який розбагатів на виробництві віскози, міг дозволити собі, як розповідає директор Галереї Курто Ернст Вегелін, найкраще і був постійним клієнтом паризьких дилерів.

 Pierre Auguste Renoir. “Boat skiff.” 1875. Photo: National Gallery, London

Крім того, Курто заснував спеціальний фонд для придбання мистецтва імпресіонізму і постімпресіонізму в державні колекції Великобританії. Лондонська Національна галерея надала на виставку у Фонд Louis Vuitton ряд таких творів, в тому числі полотно «Пшеничне поле з кипарисом» (1889) ван Гога, яке свого часу стало першою картиною художника, що увійшла до збірки британського музею.

У 1923 році Курто заснував перший в країні центр по вивченню історії мистецтва – Інститут мистецтва Курто і передав йому в дарунок свою колекцію і особняк на лондонській Портман-сквер. З 1989 року Інститут і Галерея Курто розташовуються в особняку Сомерсет-хаус, який зараз поставлено на реконструкцію вартістю £ 30 млн.

 Edouard Manet Bar in Foley Bergère, 1882. Photo: The Courtauld Gallery

20.02.2019

Перша виставка, цілком присвячена Жан-Жаку Леке і його фантазійної архітектурі на папері, проходить в паризькому Пті-Пале

 Jean-Jacques Lekeu. “He’s free”. 1798. Photo: Bibliothèque Nationale de France

finn

v

 Jean-Jacques Lekeu. “The temple dedicated to equality.” Photo: Bibliothèque Nationale de France

Але і тут Леке спіткала невдача. Навіть для цінителів жанру його архітектурні фантазії, як пам’ятник Приапу, що нагадує фалос, ферма у вигляді гігантської корови, змішання різних стилів і недотримання пропорцій, здавалися екстравагантними і несмачними.

Помер Леке в бідності і безвісності, заповівши перед кончиною всі свої роботи паризькій Національній бібліотеці. Згадали про нього лише в першій половині ХХ століття модерністи. Особливо він припав до душі сюрреалістів і Марселю Дюшану, який був великим шанувальником Леке. Нинішня виставка – перша, цілком присвячена Жан-Жаку Леке. Зібрала кілька сотень малюнків і гравюр архітектора-візіонера, вона ставить собі за мету остаточно його реабілітувати, хай і через майже два століття після смерті, поставивши в один ряд з Леду і Буллі.

Пті-Пале
Жан-Жак Леке
До 31 березня

18.02.2019

У березні на аукціоні Christie’s буде продана колекція творів мистецтва, що належала Джорджу Майклу. Початкова вартість робіт варіюється від $ 600 до 2 млн доларів.

Як повідомляє CNN, у шанувальників раптово пішедшего з життя в Різдво 2016 року британського співака Джорджа Майкла буде унікальна можливість – придбати предмети з чудової колекції творів мистецтва, що належала співаку.

Джордж Майкл був одним з головних людей, які надавали підтримку британським художникам, в числі яких були Трейсі Емін і Деміен Херст.

За своє життя Майкл, який став знаменитим у 1980-х роках в складі групи Wham !, зібрав значну і цінну колекцію творів мистецтва.

Після його смерті у віці 53 років, викликаної природними причинами, британська преса розкрила чимало історій про те, як Джордж Майкл допомагав численним благодійним організаціям.

Аукціонний будинок Christie’s підтвердив, що всі кошти від продажу колекції будуть спрямовані на благодійність.

«Ми раді організувати настільки великий аукціон, який дозволить продовжити його благодійну діяльність. Джордж Майкл був генієм музичної індустрії, а перегляд понад 200 творів мистецтва з його приватної колекції допоможе зрозуміти широту смаків людини, яким захоплювалися в усьому світі », – поділився глобальний директор аукціонного дому Юссі Пілканен.

Перед аукціоном колекцію спочатку покажуть в Нью-Йорку, потім в Лос-Анджелесі, далі вона вирушить в Гонконг і Шанхай, за тиждень до продажу її виставлять в Лондоні. 75 предметів мистецтва будуть продані на живому аукціоні, і ще 130 будуть продаватися в інтернеті. Одна з родзинок колекції – Незручна правда Деміена Херста. За неї очікують виручити до $ 2 млн.

 

15.02.2019

Це перший випадок, коли одна з робіт Бенксі увійшла в колекцію великого лондонського музею. Такою роботою став принт Di-faced Tenner із зображенням підробленої десятифунтової купюри, на якій замість королеви зображена принцеса Діана Уельська.

Ця робота була створена в 2004 році для акції, під час якої на карнавалі в Ноттінг-Хіллі і на фестивалі в Редінгу були розкидані тисячі таких купюр. У фільмі “Вихід через сувенірну крамницю” (2010) Бенксі розповів, що зробив цих купюр на умовний £ 1 млн і роздав деяку їх кількість на фестивалі, проте припинив акцію після того, як люди стали намагатися розплатитися ними в барі: “Це було схоже на те, що ми підробили мільйон фунтів і, очевидно, можемо потрапити до в’язниці на 10 років” , -говорив автор.

Робота була передана музею організацією, що займається аутентифікацією робіт художника, — Pest Control.

13.02.2019

На першій ретроспективі знаменитого бельгійського символіста Фернана Кнопфа в Парижі за 40 років зібрано близько сотні його робіт в різних техніках і жанрах.

 Fernand Knopf. “Art, or the Tenderness of the Sphinx.” 1896. Photo: J. Geleyns Art Photography

Тут все, чим прославився Кнопф, – таємничі пустельні види його рідного Брюгге, жіночі та дитячі портрети, німфи, сфінкси і химери. Париж, до речі, зіграв вирішальну роль у формуванні молодого художника, випускника брюссельської Академії мистецтв. У перший приїзд в Париж Кнопф відкрив для себе живопис Делакруа і Енгра, а приїхавши знову, на Всесвітню виставку в 1877 році, – прерафаелітів, що зробили великий вплив на його стиль. У 1900 році Кнопф, що жив самітником, облаштував собі майстерню, на дизайн якої його надихнула естетика віденського Сецессиона. Майстерня не збереглася, зате на виставці можна побачити її реконструкцію і зануритися в атмосферу, в якій народжувалися зачаровующі бачення бельгійського символіста.

Пті-Пале
Фернан Кнопф. Магістр таємниці
До 17 березня

www.petitpalais.paris.fr